LOS ZAPATOS DE LILLIAM

51 millas de Lilliam Nieves

51 millas de Lilliam Nieves para SIMULACRO. Fotografía de Julio Lugo Rivas.

Texto por la Profa. Rosina Santana.

Cuando mi amiga y colega Rosa Irigoyen y yo conversamos de la cualidad que tiene el arte de “hacer tilín -tilín” en el espíritu, nos referimos a esa calidad etérea que el artista logra con la manipulación del medio en comunicar su vision. La pieza “51 millas ” de Lilliam Nieves en la muestra grupal Simulacro me hizo “tilín tilín “anoche.

Engañosamente simple pero repleta de capas de significado, la instalacion es un par de zapatos de taco alto, azul cielo, con refuerzos altos en los tobillos, que descansan sobre un pequeño y lujoso cojín encima del pedestal blanco. Escondido en la parte inferior frontal del pedestal y atraves de un hueco, un proyector proyecta un video de alguien caminando sobre un sinfín o trotadora intentando mantenerse en pie,calzando dichos zapatos, obviamente inapropiados para esa actividad de adiestramiento deportivo.

Hay una alusión oblicua al tiempo que se dilata pues cuando estamos en un sinfin, pensamos fatigados, “ya? O sigo? Cuanto tiempo tengo que estar? ” Es la travesía del peregrino sin rumbo. Es la rata en la rueda de ejercicio dentro de la jaula.

El conjunto sobre el pedestal, me recordó a la ilustración que acompañaba el poema de Jose Martí, Los zapaticos de rosa, mostrando al objeto precioso o al Príncipe de Cenicienta con la zapatilla de cristal en busca de su amada. Es decir,estos zapatos incorporaban algo valioso.

No son los zapatos de van Gogh ajados por el castigo de la vida. (Por los 1930 en su obra “Los orígenes de una obra de arte,” Martin Heidegger analizó la serie de zapatos de van Gogh como autorretratos del pintor donde el cuero desgastado y las suelas gastadas representan la vida áspera del artista mismo y del viaje resistido.)

Aun van Gogh en una carta (agosto 1888)a su querido hermano Theo le confiesa :
“Afortunadamente para mí, no deseo más la victoria, y todo lo que busco en la pintura es una forma de hacer la vida soportable “.

No, estos zapatos son nuevos. Y la única pista que tenemos es el video y el título aludiendo al estado 51, quimera inaccesible. El arte efectivo dice mucho con poco. Sentí el esfuerzo monumental frustrado, la desilusión, y me asaltó la frase “tanto nadar para.morir en la orilla” que la oí en la boca de una amiga sobre la situación de nuestra isla. El valor de estos zapatos es valor del camino fútil de Sísifo, que aunque llegue a la cima, nunca avanzara ni un centímetro.

Estos zapatos caminaron 51 millas en el mismo sitio.
Preñados de memorias, anhelos y sueños ESTOS zapatos que aunque han caminado millas por tiempo y más tiempo, no han avanzado nada, ahora existen solamente como signos del objeto precioso.

Fuente:http://www.spiritualityandpractice.com/arts/features/view/27977/interpretations-of-vincent-van-goghs-a-pair-of-shoes

Enlace de la profesora en Facebook: https://www.facebook.com/artsgreenhouse
 
Adjunto enlace del video de la pieza por Andrea Osaris Díaz del dia de la apertura: https://www.facebook.com/dreaosaris/videos/10154375682366326/
 
Y foto de los zapatos por el artista y parte del Colectivo de SIMULACRO Julio Lugo Rivas: https://www.facebook.com/photo.php?fbid=10155248143213745&set=pcb.10155248151148745&type=3&theater

SIMULACRO

Una exhibición colectiva que toma como punto de partida las posturas de Baudrillard, aplicadas a la(s) realidad(es) del Puerto Rico actual: el fracaso de la acción política / social, la aparente incapacidad de actuar y el paradigma de la colonia. SIMULACRO es una iniciativa autogestionada por la historiadora del arte y curadora independiente Melissa M. Ramos Borges.

Artistas participantes: Grimaldi Báez, Rogelio Báez Vega, Migdalia Luz Barens, Andrea Bauzá, Efrén Candelaria, Cybelle Cartagena, José del Valle, Walter Fernández, Jesús Gómez, Julio Lugo, Natalia Martínez, Lilliam Nieves, Rigoberto Quintana, Elizabeth Robles, D. Arnaldo Román, Ana Rosa Rivera, Aarón Salabarrías, Noemí Segarra, Nicole Soto Rodríguez, Yiyo Tirado, Norma Vila y Omar Velázquez.

*Fotos por Julio Lugo y Rosario Fernández

  • El Polvorín, Parque Luis Muñoz Rivera.
  • Horario: jueves a domingo de 2-6pm.
  • Abierto hasta sábado, 24 de junio de 2017.
  • Entrada libre de costo.

IRON MAIDEN en Abislaiman Joyeros

Como parte de la celebración del Día de las Madres, se realizo una hermosa colaboración con Abislaiman Joyeros llamada Día de las Reinas. La celebración reunió tres generaciones de clientas que disfrutaron de un hermoso compartir. En la misma se presentaron cinco coronas de hierro de la artista Lilliam Nieves, que fueran presentadas el pasado año en la exposición Iron Maiden en Proyecto Local. Tambien, se realizo una serie de fotografias a cargo de Rosario Fernández con espectacular joyería.  Todo esto fue posible gracias a la invitación y coordinación de Isabel Abislaiman. Dando paso al Mes de las Reinas, con exhibición en la vitrina de las coronas con la  exclusiva joyería disponible en Abislaiman Joyeros. Puede visitar el local en los bajos del Banco Popular en el Viejo San Juan.  

Las coronas de la artista Nieves están disponibles para la venta.

Ser, aceptada

Beauty Queen II

2016, caoba rosa y tinta, 5′ x 3′ x 1”

En los últimos años de su carrera, la artista multidisciplinaria Lilliam Nieves se ha dedicado a explorar los conceptos de belleza en la cultura mediática popular y su manipulación de parte de los medios y el mercado para crear imágenes de mujeres irreales. Igualmente, Nieves explora como esa manipulación de imágenes se manifiesta en una disminución marcada en el autoestima de las consumidoras. Por consiguiente, el mercado les ofrece una solución para incrementar su ‘sex appeal’, pero estos productos, descritos por Nieves como rituales de belleza, dejan traumas físicos notables en las consumidoras.

 

El título de la muestra Iron Maiden, remonta al Alemania del Siglo XIV, donde se desarrolla una nueva máquina de tortura. El ‘iron maiden’ consiste en un gabinete de metal lo suficientemente alto para que cupiese un humano, cubierto en su interior con barrotes puntiagudos. Nieves, actualiza los medios de tortura de la época medieval para forzar una reflexión sobre los rituales de belleza. Para esta muestra, exhibe once coronas, cuyos diseños están inspirados en distintos patrones de rejas ornamentales. La corona como la metáfora de la tortura es interesante, ya que usualmente la asociamos con otros rituales: los concursos de belleza y a Cristo con su corona de espinas. como simbologia de su martirio. Nieves, por ende, le adjudica a la corona dos funciones: la afirmación de la belleza y la tortura que se asocia con la misma. La artista invita y motiva al espectador a interactuar con ellas, que se coronen y comprueben su peso. El factor performático de coronarse es indispensable para la obra, el espectador es cómplice de las metáforas que intenta crear Nieves, la belleza como tortura o el martirio de la belleza.

 

En el 1993, People Maganize publica una entrevista a la supermodelo Cindy Crawford, en la cual revela la falsedad de la industria para la cual labora. Su comentario: “Even I don’t look like Cindy Crawford in the morning” corrobora la manera que las imágenes son alteradas y manipuladas. El cuestionamiento de la imagen real y la imagen manipulada para complacer el mercado, lo explora Nieves en su obra Beauty Queen III (2016). La imagen, un retrato semi-desnudo a cuerpo completo de la propia artista, tallado en un tablón de madera. Nieves altera, estira, y desproporciona su cuerpo de manera exagerada con la ayuda de Photoshop, para mostrarse más esbelta y alta. En un momento en la historia donde el fenómeno del ‘selfie’ ha cambiado la manera que nos proyectarnos y como queremos nos perciban, esta pieza encarna la valoración del “falso yo” que promueven los usuarios de los medios sociales digitales.

 

Por otro lado, colocada directamente opuesta a Beauty Queen III en la sala de exhibición, se exhibe Beauty Queen II (2016). Nuevamente, el espectador está enfrentado a con la imagen semidesnuda a cuerpo completo de la creadora. Posando firmemente, completamente frontal al plano de la obra, Nieves se muestra tal como es. La vulnerabilidad que se asocia con la desnudez no está presente en el rostro ni el lenguaje corporal de Nieves. Esa mirada fija y segura recuerda al óleo de Manet, Olimpia (1863). Ambas mujeres se presentan tal como son, sin ser idealizadas, y sin mostrar vergüenza de su cuerpo real, ambas conscientes de la mirada del espectador mirándolas.

 

Nieves se presenta con una mano apoyada sobre su cadera, mientras que en la otra sujeta un taladro. El taladro es símbolo de trabajo físico asociado con la masculinidad. En esta obra, no obstante, el taladro se convierte en símbolo de empoderamiento femenino. Nieves, entrenada como grabadora con especial interés en la xilografía, reta al status quo de la comunidad de grabadores, dominada por el hombre. Esta imagen remite a portada de The Saturday Evening Post (29 de mayo de 1943) donde el artista e ilustrador Norman Rockwell presenta la ya conocida imagen de Rosie the Riveter. Rosie, una creación de la imaginación de varios ilustradores de la época, se utilizó como propaganda para reclutar y motivar a las mujeres que laboraban en fábricas y astilleros durante la Segunda Guerra Mundial. Tanto Nieves como Rosie the Riveter se insertan en profesiones que fueron -y siguen siendo- dominadas por el varón, desmintiendo el estereotipo que las mujeres son el ‘sexo débil’.

 

La artista representa su figura corpulenta en la serie Beauty Queens como un antítesis de lo que se afirma o lo que se promueve como bello. La utilización de su propia imagen remite a las artistas de la década del 1960 y 1970 que exploraban la idealización del cuerpo de la mujer en el arte occidental y la cultura popular, imágenes perpetuadas y producidas, en su mayoría, por el genero masculino. Nieves se inserta a la corriente de arte feminista de las pasadas décadas, con una exploración del cuerpo y cómo este es presentado, representado y aceptado.

La técnica de la talla sobre madera se revisita en cinco obras a pequeño formato. En cuatro de ellas retorna a la corona, esta vez construyéndolas en diferentes materiales. En Dubi Queen (2016) representa una corona formada por los pinches que se utilizan para sujetar el pelo en el “doobie wrap”. El dubi cosiste en envolver el pelo alrededor de la cabeza para obtener un pelo alisado. El comentario sobre el concepto que el cabello rizo es equivalente a ‘pelo malo’ es evidente. Pero va más allá, el dubi es una parte del proceso, no es el producto final. Se prepara y se finaliza dentro del espacio doméstico. Salir a la calle con el dubi evidencia la aceptación del ‘pelo malo’ y asuntos de raza que aun permean en nuestra sociedad. Del entorno doméstico y privado, Nieves transporta el dubi al escenario público, haciendo visible un ritual de belleza que está manipulado por los conceptos de belleza caucásica.

 

La falsedad y la frivolidad del mercado son evidentes en las obras Plastic Queen y Queen and the City (2016). En Plastic Queen, Nieves presenta una corona compuesta de botellas plásticas. Esta imagen recuerda la canción Plástico de Rubén Blades. Ambos artistas comentan sobre la falsedad de la sociedad: “aparentando lo que no son, viviendo un mundo de pura ilusión”. En Queen and the City, revisita la corona, esta vez compuesta por los rascacielos emblemáticos de la ciudad de Nueva York. Con el título de la obra, Nieves alude a la serie Sex and the City de la cadena televisiva HBO, en particularidad la falsedad y frivolidad promovida por las personajes de esa serie.

 

La obra Miss Tetas (2016) compuesta de un sinnúmero de senos de distintos tamaños y formas, Nieves confronta al espectador a reflexionar sobre los atributos del cuerpo de la mujer, muestra el humor de la artista. El tamaño, la forma y la posición de los senos se relacionan con la sexualidad. En la década de los 1990-2000 hubo un incremento en las cirugías de aumento de senos a tamaños exorbitantes, influenciado grandemente por la estética porno. Estas mujeres llevaban su cuerpo al límite para crear caricaturas de si mismas, exagerando algunos aspectos de su apariencia proyectándose como seres súper sexuadas. La intervención quirúrgica del cuerpo continúa el discurso de Nieves sobre la belleza como uno de los rituales de tortura.

 

Reina hambre

2016, tablón de caoba y tinta, 13 1/2” x 7 3/8” x 1 13/16″

En Reina hambre (2016) Nieves nos confronta con las realidades de los extremos para lograr el peso ideal. Miles de dietas prometen el cuerpo que aparece en las portadas de las revistas: la dieta de las zanahorias, la dieta South Beach, los detox de agua de limón y pimienta cayenne, la dieta paleo… entre miles de otras. Torturamos el cuerpo para complacer unos cánones establecidos por personas que no les interesa la salud del prójimo, sino la venta de un producto. Mientras venden promesas de como adelgazar, ellos engordan sus bolsillos.

 

Nieves nos revela que la belleza no es solo un concepto, sino un mercado -con un valor proyectado en aproximadamente $237mil millones para el 2017- que se nutre de un ciclo vicioso que ellos mismos propulsan. El trabajo de Nieves en esta muestra no solo explora los cánones estéticos que rigen el cuerpo femenino, sino que además trae a la luz como opera el mecanismo que lo construye y lo promueve. La selección de materiales para esta muestra no solo aluden al título de la muestra, sino que además se asocian a la cruz que Cristo carga hasta el Monte Calvario y donde Cristo perdió su vida. La repetición de la corona, tanto construida como su imagen alterada en las maderas, enfatiza la correlación entre la belleza y martirio, sacrificio y salvación. Por otro lado, la crudeza de los materiales que utiliza reafirman la idea de apreciar la belleza natural.

 

El tono cínico de su humor en varias de sus obras coquetea con la vergüenza insubordinada de su cuerpo anticanónico burlándose así del establishment, y presentándose orgullosa de sus rollos en la cintura, de sus muslos gruesos y de sus protuberantes nalgas, que tanto en la misma dimensión que nos ofenden, nos obsesionan o nos impiden ser y ser aceptados.

Melissa M. Ramos Borges

The Iron Speech of Lilliam Nieves by Pedro Vélez

dsc0190Having a long conversation with Lillian Nieves is a sonic experience. Her voice has been made for the theatre stage. She talks using ample and generous pauses. When she’s on a roll musing on her art, her hands turn into fists. When the subject of the conversation is important, she looks you in the eye never losing her distinctive tone. There’s a certain rhythm in the way she carries her ideas. Nieves can transition fluidly from a serious conversation to waves of refreshing bursts of laughter intertwined with sarcasm and humor. Her particular demeanor and distinctive intonation is visceral, hits you in the gut, ever-present throughout her artistic practice.  And just like Frida Kahlo and LaToya Ruby Frazier, her voice resounds because her identity is visible at all times imprinted in her self-portraits. Nieves is an excellent communicator and an expert at transforming her life experiences into social and cultural commentary.

With Iron Maiden the artist presents a thunderous speech dealing with patriarchal, misogynistic, conservative, and emotional oppression in the Caribbean. Iron urban security bars are the materials and metaphors which Nieves employs to amplify her public speech.  But don’t assume Nieves is portraying herself as the Iron Maiden. Historians have established that the Iron Maiden was a medieval torture device. An iron cabinet, or sarcophagus with hinged front and spike-covered interior. Victims forced to enter its insides would have their skin penetrated, punctured and ripped apart. For Nieves, this deadly torture device represents sexism and public judgment of our bodies in social spaces.

To comment on these forms of oppression Nieves has created a series of wearable iron crowns. They are as heavy as they are dangerous due to their extremely sharp edges. If the crown falls off your head, it could very easily cause bodily harm. Perhaps Nieves is riffing off Richard Serra’s macho aesthetics, or Miss Universe, where the winner hangs on forcefully to her crown as if her life depended on it. One can also sense a critique of superficiality and Hipster culture derived from the artisanal construction and rustic repurposing of the crowns and its forms so commonly seen these days in decorative elements of hip gastropubs around Santurce.

Complementing the crowns are a series of monochromatic engravings in which the artist negates the use paper by using only the wood block protruding from the wall like a relief.  Here, incisions on the wood’s surface work like metaphors for psychological injuries and ripped skin. In Beauty Queen II, Nieves used Photoshop to stretch out her self-portrait to make herself look thinner. In Beauty Queen III, another self-portrait, the artist appears as a giant standing over a world globe wearing nothing but underwear, boots and an iron crown on her head while gripping a power drill as if it were a weapon. Another tool in Nieves’ repertoire  that can penetrate, lacerate and rip the skin. To accentuate Beauty Queen III, Nieves has drawn, almost in illustrative fashion,  the famous “select icon.” A gesture that bridges traditional with  digital technologies. Beauty Queen III also references the iconic World War II poster by Howard Miller (1943) which carried the slogan “We can do it.” Meant to empower working class morale, Miller’s poster portrays a woman crowned with a handkerchief on her head, rolled-up sleeves showing her biceps and a proud look on her face. In reality, Beauty Queen III is a personal reflection on a surgical procedure the artist had to undergo due to health issues. As a consequence of this surgery the artist lost a lot of weight.  Not only was her reflection in the mirror different, but others started to look at her differently, judgmental. Nieves told me, “it felt like a Cinderella story.  I went from 200 pounds to 115.” This might seem a little dramatic, and it truly is, but what makes Nieves’ artistic rendition of the events so memorable is her sarcastic and self-humiliating approach to it. Nieves has an attitude similar to comedian Amy Schumer, who recently posed having coffee in her underwear for the 43rd edition of the famous Pirelli calendar, photographed and conceptualized by Annie Leibovitz. Schumer along with other public figures such as Serena Williams, who might be considered as possessing unusual body types outside normative beauty standards, radically reinvented the idea of the sexist calendar by showing the world a real-life examination of female beauty. I feel that’s just what Lilliam Nieves has accomplished with Iron maiden.

Not surprisingly since the artist has reinvented herself radically throughout her career. Her iconic piece “A little help for my lypo! (2009), is a good example. In it, she appropriates a beggar’s tin can and placed a label on it in which she appears wearing just her undergarments and showing her bulging belly.  The picture, which is a kind of homemade self-portrait, also has an inscription that reads:  “Lilliam needs a liposuction urgently so she can finally quit her addiction to Photoshop.” Once again, her voice resounds thunderously.  The artist ferociously resists being a passive victim as she places her own body on the stage, and in the line of fire, to give her speech. By doing so her self-portraits become a  mirror in which society sees its collective prejudice. More often than not society repudiates the artist because it can see itself in the mirror.

 

Versión en Español: http://www.lilliamnieves.net/lilliam-nieves-por-pedro-velez/

 

El discurso de hierro de Lilliam Nieves

ironmaiden03Tener una conversación con Lilliam Nieves es toda una experiencia sónica. Su voz está hecha para teatro. Ella entona claramente. Habla con holgadas pausas. De cuando en vez aprieta el puño al describir su arte. Cuando dice algo que considera importante, te mira a los ojos y baja el tono de voz sin perder esa entonación distintiva. Su énfasis en la idea se mantiene en ritmo. Igual puede saltar de una conversación seria a carcajadas con mucha facilidad, entrelazando sarcasmo con buen humor. El trabajo artístico de Nieves también mantiene esa entonación particular. Apreciar su obras es casi como escucharla dirigirse a un público amplio. Igual que Frida Kahlo o LaToya Ruby Frazier, su voz retumba ya que su identidad está presente en sus autorretratos. Y es que cuando Nieves habla, ya sea en persona o a través de su obra, siempre va directo al hígado. Lilliam Nieves es una excelente comunicadora. Experta transformando su experiencia de vida en un comentario sociocultural. Cosa que demuestra valentía, liderato y dominio del escenario del teatro del arte.

 

Con Iron Maiden la artista nos presenta un discurso estruendoso, como una especie de Ted Talk hardcoroso -sin las partes sentimentales – sobre la opresión emocional y cultural de una sociedad Caribeña paternalista, misógena y conservadora. El hierro y la reja son las metáforas y material empleados por la artista para amplificar su discurso. Pero no nos confundamos, Lilliam no es la dama de hierro a la que alude el título de la exposición ni a pesar de que en primera instancia nos da esa impresión al observar el retrato de una Nieves coronada, hastiada y diabólica en la invitación a la exposición. Historiadores aseguran que  Iron Maiden era una arma de tortura en la época Medieval. Algo como un sarcófago a escala humana, o caja de muerto, de acero con afiladas puyas en su interior y en el cual la víctima era obligadx a entrar. Al cerrarse las puertas de Iron Maiden, la víctima quedaba ensartada y revestida por una coraza de puyas. Para Nieves la percepción de la belleza en nuestra sociedad es como una dama de hierro que aprisiona con reglas, órdenes y “slut-shaming.”

 

Así como las puyas de la Iron Maiden, las coronas esculturales de la artista parecen burlar el machismo estético de Richard Serra. Las piezas de hierro de Nieves también son peligrosas por su peso y terminaciones puntiagudas. Si no la sujetas bien en tu cabeza, la corona se cae y te puede cortar la piel. Igualito que en Miss Universe donde la ganadora se sujeta a la corona como si su vida dependiera de ello.  A la misma vez,  con titulos como Plastic Queen y Dubi Queen, se puede hacer una lectura sarcástica hipsteriana de las coronas por su contrucción artesanal y reciclaje rústico que tanto vemos hoy día en gastro pubs. De nuevo, la crítica social y cultural de lo que son las expectativas de amoldarse a una moda superficial en una escena social obsesionada con la apropiación.

 

Beauty Queen 2En Iron Maiden las coronas se complementan con una serie de grabados en bloques de madera. Grabados que en realidad son relieves monocromáticos ya que la artista no utiliza la impresión en papel como obra final sino que tan solo usa el bloque de madera sobresaliendo de la pared. La materialidad del diseño producido por ese rasgado de la gubia es representativo de su pellejo. En Beauty Queen II, Nieves ha alargado una foto de su cuerpo en Photoshop para enflaquecer su figura y en Beauty Queen III, una pieza de gran formato, el autorretrato la presenta parada como gigante sobre una especie de globo terráqueo en ropa interior, botas, llevando su corona de hierro en la cabeza y cargando en la mano un taladro como si fuera un arma. De nuevo, otro objeto que perfora el pellejo. Beauty Queen III hace referencia al poster de propaganda de las segunda guerra mundial We Can Do It! (1943) de J Howard Miller en el que una mujer “coronada” con pañuelo se alza las mangas de su uniforme para enseña mollero. El poster estaba diseñado para subir la moral de la fuerza trabajadora. Nieves acentúa su versión con un pequeño detalle: el “select icon.”  Ese detalle completa la transformación de una forma tradicional y artesanal como el grabado con la alteración photoshop digital de nuestra era digital.   Beauty Queen III no es solo un comentario social sino que una reflexión personal sobre una intervención quirúrgica necesaria a la que la artista tuvo que ser sometida por problemas de salud y que a su vez dió paso, por causalidad, a una transformación estética en la cual Nieves bajó de peso. Ese evento de transformación cambió la forma de ella mirarse en el espejo y la forma en que otros la miraron de arriba abajo y juzgaron. La misma Nieves ha dicho que un quebranto de salud la llevó a convertirse en una Cenicienta: “pesando 200 libras me convierto en una mujer de 115”. Suena dramático, y lo es, pero lo que hace esta reflexión de Nieves memorable es el sarcasmo y la  auto-humillación al estilo  Amy Schumer, quien recientemente apareció posando en ropa interior tomándose un café en la 43ra edición del famoso calendario Pirelli. Liderado conceptualmente por Annie Leibovitz, Schumer  junto a Serena Williams y otras figuras de belleza no usual ni aceptadas culturalmente, reinventaron radicalmente la idea del calendario sexista.

 

Cuando hablamos de reinvención radical, ya Lilliam Nieves ha estado en ese territorio con su icónica pieza A little help for my lypo! (2009). En esta pieza de apropiación, la artista se presenta en ropa interior mostrando su protuberante vientre en una especie de autorretrato casero en una lata de esas que usan la gente que se para el las luces a pedir chavos.  La etiqueta lee: “Lilliam necesita una liposucción urgente para así poder dejar de usar su adicción al Photoshop.” Una vez más, la voz de Nieves retumba. La artista se niega a ser víctima pasiva y se para en tribuna a dar su discurso poniendo su cuerpo en la línea de fuego y al servicio de la responsabilidad social. Este es el retrato vivo de la artista como espejo de la sociedad en el cual se ven reflejados sus prejuicios colectivos. Muchas veces ese reflejo los repudia y es porque se ven a ellos mismos.

 

Pedro Vélez

Comunicado de prensa IRON MAIDEN Lilliam Nieves

Lilliam Nieves IRON MAIDEN Proyecto Local

Lilliam Nieves IRON MAIDEN Proyecto Local

Proyecto Local se complace en presentar la exhibición individual de la artista Lilliam Nieves, titulada Iron Maiden, que inaugura el miércoles, 9 de marzo de 2016, a las 7:00 p.m. Iron Maiden, surge de la investigación y el traslado conceptual de la tortura en la Era Medieval a la tortura del canon de belleza establecido por la sociedad, según la artista “al igual que se utilizaba Iron Maiden en siglos pasados como un ritual de doblegamiento físico y mental, en esta exhibición les comparto mi visión de otra tortura moderna, artefactos que nos dan la ilusión de belleza mientras en realidad nos doblega y nos hace dependientes de esa misma ilusión, nos aprisiona en requerimientos estéticos.”

La exhibición curada por Melissa Ramos Borges, presenta una selección de 19 obras recientes de la artista, en las cuales incorpora una diversidad de medios en donde se percibe el cuestionamiento del prototipo femenino y el consumo que han creado rituales de belleza particulares, desmedidos e incomprensibles.

Comenta la artista sobre la muestra “La colección reafirma la ruptura de los estereotipos coronando a todos como damas y/o caballeros de hierro. Sera un dialogo ante la discursividad de lo que establece la sociedad y los medios contra la otra cara opresiva de la carga física y emocional. Lo que la sociedad establece como principio perenne se deconstruye ante su doble moral. Se intentará establecer un vínculo y una metáfora de nuestra visión de seguridad pública utilizando el acero como herramienta de poder, como instrumento que se concibe como material primario que bien podría terminar protegiéndonos, también podría ser represivo en su calidad como materia, como sinónimo de progreso o enmohecido ante su decadencia natural. La colección trata de mirar de forma icónica el arquetipo del instrumento de belleza y lo transforma en instrumento de tortura amparado en la decadencia de su propia naturaleza.”

Lilliam Nieves es educadora, grabadora, dibujante, pintora, fotógrafa, instaladora, escultora y videoartista performera. Su educación en las artes comenzó en la Liga de Arte de San Juan, en el 1999 obtiene un bachillerato en Artes Plásticas y Diseño de Puerto Rico con concentración en Educación del Arte. Nieves, cuenta con una maestría en Artes Plásticas con concentración en Nuevos Medios de Danube Universität Krems en asociación con Transart Institute Austria / Berlin / Nueva York. Su carrera como escritora y bloguera cultural en Trance Líquido y otros medios, entre los años 2000 al 2005 le abrió a importantes debates y conversatorios como “Encuentros: blog culturales en el MAP”. Actualmente es coordinadora del Programa de Extensión de la Escuela de Artes Plásticas y Diseño de Puerto Rico.

La exhibición Iron Maiden, se extenderá hasta el 9 de abril de 2016. PROYECTO LOCAL está localizado en la Ave. Emiliano Pol 270, San Juan, (Local conocido como OSVIARTE). En su horario laboral de lunes a viernes de 9:00a.m. a 5:00 p.m., sábados de 10:00a.m. a 2:00 p.m. Para más información y entrevistas (787) 731-1072 / (787)-486-8855. Correo electrónico: :proyectolocalpr@gmail.com Facebook/proyectolocal Instagram: Proyecto Loc

iQue se haga la luz su majestad!

12310668_10153326114676295_4566868677972216998_n

“Que se haga la luz su Majestad” LUZ, PRISMA Art Projects, Casa Jefferson Gallery, Organized by Prisma Art Projects and curated by Annie Y. Saldaña. Jurors: Annie Y. Saldaña, Henry Ballate, Juan Alberto Negroni and Irene Charron.

12301538_10153325718656295_2459157966742817827_n

Caribbean Plus

12108019_10153106421621493_4348343504960861306_n12289644_10153311379197337_5583132136262672741_n

Gracias Thank YOU

Related Links:

https://www.facebook.com/events/1681605335384614/

http://www.vivala.com/inspirational-women/caribbean-plus-cuerpos-puerto-rico/903

http://www.elnuevodia.com/videos/estilosdevida/modabelleza/sexyypoderosalamujercaribena-190461/

#CaribbeanPlus | The Art Room

 

Exhibición LUZ

12208441_935972146483723_7411860660305224614_n

La Galería Casa Jefferson y PRISMA Art Projects te invitan a la apertura de LUZ, el Jueves 3 de diciembre de 2015 de 6:00 a 10:00pm.

Desde su participación en la evolución de la transmisión de la energía para los procesos de fotosíntesis y en el desarrollo de la visión; fuente de calor e iluminación; método de comunicación y navegación y como atributo fundamental en las manifestaciones espirituales, la luz fue, ha sido y será uno de los fenómenos físicos de más utilidad, no sólo para el ser humano, sino para todos los seres vivientes. Como herramienta de uso ha sido esencial en diferentes áreas de la manufactura, la medicina, las comunicaciones, entre otras y en un sin número de aplicaciones tales como la fibra óptica, el láser, la opto-electrónica y la fotónica física y biológica. Las manifestaciones artísticas no podrían expresar su belleza y utilidad sin la ayuda de la luz o la falta de ésta, tales como el dibujo, la fotografía, la cinematografía entre otros. En Diciembre de 2013, la Asamblea General de Naciones Unidas declaró 2015 como el Año Internacional de la Luz y las tecnologías basadas en la luz. Se trata de una iniciativa global que pretende mostrar a los ciudadanos del mundo la importancia de las tecnologías de luz en sus vidas, su futuro y para el desarrollo de la sociedad. Es una oportunidad única para inspirar, educar y conectar a una escala global. Su objetivo es crear conciencia sobre los logros de la ciencia de la luz, sus aplicaciones y su importancia para la humanidad. En honor a este reconocimiento artistas locales e internacionales presentarán sus interpretaciones sobre el tema. Nuestro jurado fue compuesto de 4 profesionales de las artes, Henry Ballate, artista y co-fundador de PRISMA, Juan Alberto Negroni, artista y curador puertorriqueño, Irene Charrón, gestora cultural puertorriqueña y manejadora de la Galería Casa Jefferson, y Annie Saldaña, artista y co-fundadora de PRISMA.

PRISMA Art Projects
Fundada en Agosto de 2015, PRISMA Art Projects (PAP) es una organización dirigida por artistas comprometidos con las prácticas artísticas contemporáneas y a la propagación de las artes visuales, tanto en Puerto Rico como en el exterior. Nos dedicamos a la gestión de eventos culturales y exposiciones de arte que le permitan a la comunidad entrar en el discurso multi-cultural, al mismo tiempo que le permite a artistas la oportunidad de exhibir su trabajo en una variedad de lugares. PAP organiza exposiciones que viajan entre Puerto Rico y el sur de Florida, proporcionando así un intercambio cultural entre las Américas. Es nuestro objetivo ampliar y ofrecer esas oportunidades a nuestros artistas a nivel mundial. Nuestra misión es situar a Puerto Rico dentro el contexto artístico internacional y es por eso que buscamos nuevas oportunidades para presentar nuestros proyectos.

Los esperamos!

3era Subasta: Arte a tu alcance

12190834_10156100407905062_3980429552744785022_n

Cubos para las Artes

Este viernes, 6 de noviembre, a partir de las 6 de la tarde se celebrará la Tercera Subasta Silente: Arte a tu alcance, Pro-fondos del Programa de Artes Plásticas de la Escuela de Bellas Artes de Carolina.

El Programa de Artes Plásticas de la escuela, junto a su Comité de padres, ha organizado este evento, en donde ha invitado a destacados artistas puertorriqueños para participar de la misma donando su trabajo. Este año los organizadores de la actividad les entregaron a los artistas cubos de madera y se les convocó a intervenirlos, plasmando su creatividad en éstos los soportes no tradicionales. Más de 20 artistas aceptaron participar del mismo, entre ellos Nathan Budoff, Carlos Rivera Villafañe, Edwin Velázquez Collazo, Emilio Arraiza, Lilliam Nieves y Diana Dávila.

La artista Vero Rivera intervino el suyo con sus reconocidos dibujos orgánicos, Iván Girona lo pintó con sus características pinceladas sueltas y coloridas y la obra del artista Hubert Caño en un retrato de mujer ensamblado. Los artistas Marta Lahens y Juan Villafañe estarán pintando su cubo en vivo y la artista tatuadora Lidiette del Valle ha ofrecido subastar un tatuaje y la realización del mismo en la actividad.

La Subasta de Arte, en su tercera edición, ha contado con el apoyo de una gran cantidad de artistas plásticos de toda la isla, que han querido apoyar con este gran proyecto, a los chicos y adolescentes del Programa de Arte. Con este dinero se compran materiales, equipos y se preparan espacios para seguir con esta gran obra.

La Tercera Subasta: Arte a tu alcance, será una celebración de color y creatividad con un toque de Carnaval. Habrá música en vivo interpretada por los jóvenes del Programa de Música de la Escuela de Bellas Artes de Carolina, habrán mimos y refrigerios. Los esperamos.

La Escuela está ubicada en la Avenida Fernández Juncos en el Centro de Carolina. Para más información llamar al 787-768-1500.

http://www.wipr.pr/cubo-para-las-artes/

Manipulaciones o la recodificación del medio

12108755_1630651617174646_7464606212210514285_n

Por la presente tenemos el placer de anunciarles la apertura de nuestro espacio multidisciplinario Proyecto Local. Nos complace invitarles a nuestra primera muestra colectiva en saludo a la Triennal Poligráfica titulada: Manipulaciones o la recodificación del medio.

EN TRÁNSITO

12052631_921021711328106_2441021529560752483_oMatadero Art le invita a su pop-up show, “En tránsito,” que será llevado a cabo en la Fundación Arana en la Calle San José #104 en Viejo San Juan.

“En tránsito” utiliza diversos medios desde la fotografía hasta la escultura para dar una mirada crítica al éxodo masivo que se ha dado recientemente. Miles y miles de puertorriqueños se van del país, en la expectativa de que la situación mejore para poder regresar, están “en tránsito.” “En tránsito” en medio de una crisis permanente que se encuentre lejos de resolverse y que mientras tantas personas se siguen yendo las posibilidades de crear un cambio real se van minimizando.

Artistas:
Uziel Orlandi Alegría
Lilliam Nieves
Jorge Fusaro Martínez
Daniela Rosselló
Aby Ruíz
Nina Méndez Martí
Genaro Ramos
Quintin Rivera Toro
Zuania Minier
Emanuel Torres Pérez
Melanie Rivera Flores
Jotham Malavé Maldonado

Curaduría: Dianne Brás Feliciano

“En tránsito” es parte de la serie de exhibiciones en saludo a la 4ta Trienal Poli/Gráfica. Para más información o preguntas, puede comunicarse a info@mataderoart.com o con Dianne Brás Feliciano a dbf1986@gmail.com.

Caribbean Plus: Un movimiento que celebra todo tipo de cuerpos en Puerto Rico

Mujeres del Caribbean plus: Patricia Sanabria Ibarra, Lillian Enid Nieves Rivera, Lourdes Inoa Monegro, Rose Marie, gestora del proyecto, Aura Estela Parra Acevedo e Idalia Irizarry.

Mujeres del Caribbean plus: Patricia Sanabria Ibarra, Lillian Enid Nieves Rivera, Lourdes Inoa Monegro, Rose Marie, gestora del proyecto, Aura Estela Parra Acevedo e Idalia Irizarry.

Celebrar los distintos cuerpos, conocerlos y entenderlos, para así empoderarse y ser libres. A eso aspira Rose Marie Nieves Domínguez, propulsora de #CaribbeanPlus, un movimiento que busca el respeto y la admiración de todos los cuerpos mediante diferentes iniciativas. Sí, de todos los cuerpos. La primera, es la presentación de una exposición fotográfica en la que presentará mujeres de cuerpos voluptuosos.

“La seguridad y la aceptación son el discurso de la gestora, y con él, quiere persuadir o convencer a todas esas mujeres de tamaños grandes que se sienten inseguras por la anatomía de su figura. Siendo una mujer voluptuosa, sus años pasados los describe como unos “duros”.

“Antes era yo, pero la mitad… me faltaba algo”, recuerda la decoradora de interiores  de 37 años desde Puerto Rico. “Era todo un rollo mental bien fuerte el salir a la calle y si era a la playa, peor. Me preocupaba el que me miraran y cómo me miraban. En muchos aspectos de mi vida, el ser una mujer grande y corpulenta, era razón para sentir vergüenza e inseguridad”.

Artículo completo: http://www.vivala.com/inspirational-women/caribbean-plus-cuerpos-puerto-rico/903

Coronate, selfie y tagueame

Los fabulosos Andrea y Donald

Los fabulosos Andrea y Donald

Evento que comenzó en la Muestra Nacional de las Artes 2015 en el Antiguo Arsenal de la Marina en la Puntilla, Viejo San Juan.  Lamentablemente al no colocar un letrero que te autorizaba a intevenir  con las coronas, no tenemos mucha documentación de coronaciones.

De todas maneras, en el enlace que tienes aquí de Facebook se ha creado para que puedan colocar sus coronaciones.

https://www.facebook.com/events/436485636513574/

 

AHORA Si te tomaste tu selfie y todavía no estamos tagueados o posteados por aquí, pues TODAVÍA TIENES BREAK! Otra opción es coordinar para que te corones, selfie contigo y nos tagueamos. Tienes hasta el mes de junio 2016. Mil gracias gente hermosa. ♥

 

 

Silencio, Relaciones, Memorias y Objetos

Lilliam Nieves

Guest panelist in artist talks on “Silencio, Relaciones, Memorias y Objetos”, solo exhibition by Maribel Canales Rosario held at ÁREA, Caguas, Puerto Rico.

Photo by Nora Nieves

The Art of Disruptive Business

The Art of Disruptive Business

THE ART OF DISRUPTIVE BUSINESS
Tatiana Bazzichelli & Geoff Cox
Transart Institute, Tanzfabrik, Berlin
1-4 August 2011

Participants: Dianne Smith, Damon Ayers, Daniel Marchwinski, Victoria Estok, Stephan Takkides, Daniel Arnaldo Roman, Lilliam Nieves, Martin Budny, Hani Moustafa, Quint Welters, Behailu Bezabih, Sonia Barrett, Matt Wyatt, Andrew Telichan, Alvin McIntyre, Gwen Charles.

The seminar investigates some of the interconnections between art, activism and business. We will examine how artists, rather than simply refusing the market, are generating ‘social hacks’, producing critical interventions from within. As the distinction between production and consumption appears to have collapsed, every interaction in the info-sphere seems to have become a business opportunity. In this way, the creative intersections between business and art become a crucial territory for re-invention and the rewriting of symbolic and cultural codes, generating political actions, social innovation, but also unexpected consequences and a deep level of irony and modification of prevailing business logic.

See more:

http://disruptiv.biz/workshops/

Muestra Nacional de Arte 2013 en Visión Doble

Muestra Nacional de Arte 2013

Muestra Nacional de Arte 2013

 

Muestra Nacional de Arte 2013  por Mercedes Trelles Hernández en Visión Doble.

“Cada pieza es impecable en su realización y su tamaño reducido le añade encanto a la propuesta. Justicia Poética y Memoria colectiva, de Karlo Andrei Ibarra (una balanza con hierbas y un globo terráqueo hecho de pizarra) son ambas brillantes y, en el caso de la primera, sienta el tono para toda la sala dedicada a los artistas más jóvenes, abriendo la experiencia del espectador con una imagen resonante tanto de la santería, como de la cultura legal y la cultura de las drogas. La máquina dispensadora de tabletas de aire, de Lilliam E. Nieves Rivera, titulada Weight Loss Pills,localizada en esa misma sala, está muy bien lograda, mientras que la pequeña escultura de cera del capitolio de Puerto Rico titulada Las tres B (Burn, Baby Burn!)es otra pieza que utiliza el pequeño formato a su favor, convirtiendo un símbolo nacional en un objeto doméstico y levemente ridículo, hecho para destruirse.”

Articulo completo: Muestra Nacional de Arte 2013

Diálogos a tráves del tiempo en Visión Doble

Visión Doble, Diálogos a tráves del tiempo

Visión Doble, Diálogos a tráves del tiempo

 

Diálogos a tráves del tiempo por Maria Alexandra Pérez en Visión Doble.

“Deteniéndonos sala a sala, en la Casa Frade se puede encontrar la reformulación del retrato de familia por Rafael Trelles, la escultura poética de Javier y Jaime Suárez, así como las impresiones de Manuel Carmona Sierra, cuya yuxtaposición genera una interrelación de épocas y técnicas que hacen de la eventualidad del arte una maleable. En la Sala Lorenzo Homar se explora la familiaridad de los materiales impresos y gráficos de la colección del Legado Frade junto con obras afines por sus características como cartas, escritos, recibos, tarjetas, periódicos, revistas, láminas y ejemplos de ilustración publicitaria. Estos materiales pueden relacionarse con las obras contemporáneas, ya sea por su contenido o por el medio gráfico utilizado por los artistas, entre quienes se encuentran aquí Omar Velázquez, Norma Vila Rivero, Melissa Xiloj, ADÁL, Myritza Castillo, Javier Martínez, Ramón Miranda Beltrán, Lilliam Nieves, Abdiel Segarra y Carlos Ruiz Valarino.”

 

Pieza en Impresiones, relieves y resonancias:  Rain

Articulo completo: Visión Doble

Whole Lotta Pain By Pedro Vélez

Whole Lotta Pain by Pedro Vélez

“Self-deprecation is a hilarious joke in Did you hate me? Did you love me? I did it for you! (2010-12), a multimedia installation composed of large photographs, video documentation, a book and other ephemera by the locally celebrated Trance Líquido blogger and artist Lilliam Nieves. Presented on tiny screens, the videos show extreme close-ups of Nieves torturing her Savillesque body by stabbing it with red lipstick and sticky paper that shoots from a price gun.”

Full article:
Artnet.com

Comment:
Lilliam Nieves, Angeli Vélez and Catherine Matos; 3 powerful artists from Puerto Rico. Review on artnet by Pedro Velez. (Dear english speaking friends, you don’t need to use the google translator for this one) by Karla Marie Ostolaza.